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A ocho días del cierre del precio especial, VIII Concurso Pasion por la Danza 2019

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El Royal Winnipeg Ballet llegará al Auditorio Nacional como parte del 47 Festival Internacional Cervantino

El Royal Winnipeg Ballet, una de las compañías de danza más importantes del mundo y la más antigua de Canadá, llegará por primera vez al Auditorio Nacional el próximo 15 de octubre, como parte de la presencia del 47 Festival Internacional Cervantino en la Ciudad de México para presentar Going Home Star, la aclamada puesta en escena del coreógrafo Mark Godden, considerada una de las obras más conmovedoras del repertorio de esta agrupación. 

A través de danza contemporánea, la puesta en escena narra la historia de los internados residenciales indígenas, bajo un sistema diseñado en el siglo XVII para que los niños nativos asimilaran la cultura de los conquistadores que fundaron Canadá. La propuesta artística es un viaje al pasado y al futuro que deja claro que sin verdad no hay reconciliación social.

Fundado en 1939 por Gweneth Lloyd y Betty Farrally, el Royal Winnipeg Ballet es la primera y única compañía de Norteamérica en tener la designación Royal, título otorgado en 1953 por la Reina Isabel II. En 1996, André Lewis se volvió su director artístico y junto con el coreógrafo Mark Godden han dado un nuevo enfoque sobre lo que el ballet debe ofrecer al espectador y a la energía que debe fluir dentro del espectáculo.

The Handmaid’s TaleDráculaEl Cascanueces y Moulin Rouge son algunos de los títulos producidos por la agrupación, lo cual revela su búsqueda de equilibrio entre las tradiciones clásicas de Europa y la nueva estética del ballet contemporáneo.

Producida por encargo de la Comisión para la Verdad y Reconciliación de Canadá —organismo que tiene como misión informar y concientizar a los canadienses sobre la represión a los pueblos nativos—, Going Home Star forma parte de una estrategia nacional para integrar y reconocer a los pueblos originarios de ese país.

Es un ballet que nace de la necesidad de integrar a las comunidades indígenas de Canadá y reconocerlas, al tiempo que da testimonio de las acciones llevadas a cabo hace más de 400 años para «canadienizar» a los hijos de los nativos, al arrebatarlos de sus familias para llevarlos a escuelas residenciales y así desaparecer su cultura. Inspirado en recopilaciones de testimonios de sobrevivientes de dichas escuelas, esta puesta en escena sirve como prueba de sanación de esa deuda histórica.

El título se refiere a Keewatin, como la nombran los Cree —uno de los más grandes grupos amerindios considerados First Nations en América del Norte—, astro que al estar por encima del eje norte de la Tierra parece permanecer inmóvil en el cielo. También se le conoce como Polaris o Estrella del Norte, una guía nocturna en el manto celeste que los antiguos nativos de Norteamérica seguían para poder volver a su hogar.

La protagonista de la trama, Annie, es una joven indígena que trabaja como estilista en un elegante salón de la ciudad, asiste a fiestas, pasa las noches en clubes con atractivos jóvenes y disfruta de todo lo que su madre le advirtió que podría afectarla.

Es así como conoce a Gordon, un embaucador que se hace pasar por indigente, quien la lleva a un mundo que siempre ha percibido, pero que nunca ha visto. Juntos, no sólo recorren las calles de la ciudad, sino también los caminos de sus antepasados, en un viaje en el que la joven descendiente de los antiguos pueblos canadienses se reencuentra y reconcilia con sus orígenes, luego de haber vivido inmersa en el mundo contemporáneo.

Tras su estreno en 2014, la obra fue elogiada por los medios canadienses The Star y Canadian Broadcasting Corporation (CBC); que destacaron su «forma visceral y accesible» y la describieron como «inspiradora». De igual forma aclamaron la «excepcional» coreografía y al personal involucrado en la producción.

El equipo creativo de la puesta en escena está conformado por profesionales reconocidos del ballet norteamericano. Entre ellos, destacan el coreógrafo Mark Godden, el guionista Joseph Boyden y el compositor Christos Hatzis.

Mark Godden, coreógrafo de la pieza escénica, ha realizado obras originales para algunas de las compañías de ballet más prestigiosas del mundo: Boston Ballet, American Ballet Theatre y Royal Winnipeg Ballet, destaca su trabajo como coreógrafo residente en esta última.

La historia de Going Home Star fue escrita por Joseph Boyden, novelista y guionista canadiense ganador del First Novel Award de Amazon por su primera novela Three Day Road (2005) y acreedor del Scotiabank Giller Prize por Through Black Spruce (2008), su segundo trabajo. Boyden estudió escritura creativa en la Universidad de York y en la Universidad de Nueva Orleans. Posteriormente dio clases en el Northern College de Toronto y actualmente forma parte de la Universidad de Columbia Británica.

La música está a cargo del greco-canadiense Christos Hatzis, ganador del Premio Juno, que otorga la Academia Canadiense de las Artes y las Ciencias, y considerado uno de los compositores más importantes en Canadá. Su álbum Constantinople (2006) fue aplaudido por la crítica y descrito por la revista Toronto Star como un trabajo único en la historia de la música canadiense.

Hatzis invitó a participar en este proyecto a talento de origen indígena, como Tanya Tagaq, cantante inuit de garganta, ganadora de los Juno Awards y reconocida por sus colaboraciones con la islandesa Björk y el grupo estadounidense Kronos Quartet. También contó con Steve Wood, fundador junto con sus hermanos Randy y Earl del grupo Northern Cree Singers, banda de cantantes y tambores powwow fundada en 1982, la cual cuenta con seis nominaciones al Grammy y dos más a los Juno Awards, cuyos integrantes son descendientes de los Cree, comunidad indígena del norte de Canadá.

La obra musical de Christos Hatzis para esta pieza coreográfica destaca por su carácter ecléctico, ya que combina sonidos electrónicos con instrumentos acústicos de los pueblos nativos, así como géneros clásicos con música contemporánea. El medio canadiense The Globe and Mail señaló que su trabajo en esta obra es probablemente la mejor composición musical para un ballet jamás creada en el país.

Tina Keeper, la productora asociada, es de ascendencia Cree y fue miembro del parlamento canadiense. El montaje cuenta con el diseño escenográfico de KC Addams, artista de ascendencia indígena, reconocida por crear obras de arte que se inspiran en la cultura popular y la ciencia ficción para abordar los problemas sociales contemporáneos.

El diseño de vestuario está a cargo de Paul Daigle, quien ha desarrollado una gran mancuerna creativa con el coreógrafo Mark Godden en el Royal Winnipeg Ballet.

Tras presentarse el viernes 11 de octubre a las 20:00 horas y el sábado 12 de octubre a las 12:00 y 20:00 horas en el Auditorio del Estado, en Guanajuato, Going Home Star llegará al Auditorio Nacional en el marco de las actividades del Festival Cervantino en la Ciudad de México, el cual regresará al foro capitalino después de cuatro años de ausencia. Por su consolidación en el ámbito internacional de las artes, el festival ocupa un lugar especial entre los cuatro más importantes de su tipo en el mundo.

Este año, el encuentro llega a su edición 47 y se ha convertido en un espacio donde convergen música, ópera, teatro, danza, artes plásticas, literatura y medios audiovisuales. Debido a su relevancia nacional e internacional, el festival fue reconocido con tres preseas de las Lunas del Auditorio, en 2014, 2016 y 2018.

Royal Winnipeg Ballet: Going Home Star se llevará a cabo el martes 15 de octubre a las 20:30 horas en el Auditorio Nacional (Reforma 50, Bosque de Chapultepec).

Fuente: Secretaría de Cultura Federal

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La música y la danza tomarán espacios públicos en 6 municipios de Jalisco

Quioscos y plazas públicas de 6 municipios del estado serán sede “Jalisco Suena”, un festival itinerante de la Jefatura de Festivales y grupos Artísticos de la Secretaría de Cultura, que se realizará del 25 al de agosto al 17 de noviembre. 

“Jalisco Suena” llevará agrupaciones musicales y compañías de danza, para que los habitantes de estos municipios se sumen a la fiesta con y bailen a ritmo de “Tango Ballet”, “Nefelitango”, “Convivencia Danzonera”, “Orquesta Típica de Jalisco”, “Danza con Clase” y “Swing Gdl”.

El municipio de Tomatlán será el primero en recibir a “Tango Ballet” y “Nefelibatos”, el próximo domingo 25 de agosto a las 19:00 horas, en la Plaza Principal del municipio donde se llevará a cabo el espectáculo “Bailando Kisoco Milonguero”, en el que invitarán a pobladores y transeúntes a formar parte del espectáculo, aprendiendo y compartiendo las dinámicas y músicas del tango y otro bailes populares argentinos.

“Nefelitango” es un proyecto musical que busca difundir la música balcánica, el tango argentino y otros folclores del cono sur que han trascendido sus fronteras y han llegado hasta nuestro país, través de los acordes, la guitarra, el violín el acordeón y la voz.

Por otra parte, “Tango Ballet” es una compañía profesional de tango con 20 años de trayectoria, que ha representado a Jalisco y a México a nivel mundial en distintas ocasiones, al ser uno de los máximos referentes del estado en lo que al tango y otras danzas argentinas compete.

En esta, su primera edición “Jalisco Suena” hará escala en Tomatlán, Jamay, Lagos de Moreno, El Grullo, Jesús María y Etzatlán.

Para Saber Más

Las siguientes presentaciones serán en Jamay, el 8 de septiembre; Lagos de Moreno, el 22 de septiembre; El Grullo, 6 de octubre; Jesús Maria, el 20 de octubre y Etzatlán, el 17 de noviembre. Los eventos están dirigidos a todo el público y son de entrada libre.

Fuente: Secretaría de Cultura Jalisco / Óscar Gómez

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Christa Cowrie, fotógrafa de lo sublime, recibió la Medalla al Mérito Fotográfico

La mente y la mirada de Christa Cowrie se mantienen en estado de alerta. A cuatro años de su “retiro” de los escenarios, aquellos donde acechó en la oscuridad el instante de máxima expresión de bailarines y actores, la fotógrafa sigue observando las fuerzas de la naturaleza, ahora en la danza de las olas, la manera en que se encrespan, agolpan y suavizan frente a la Playa de San Agustinillo, en la costa oaxaqueña. 

Es un mar muy distinto al de Hamburgo, el puerto alemán donde nació hace 70 años, pero queda claro que le gusta el horizonte, la comunión de los azules. Antes de charlar sobre lo que ha sido una vida dedicada a las imágenes, por la cual recibirá la Medalla al Mérito Fotográfico en el 20 Encuentro Nacional de Fototecas, del Instituto Nacional de Antropología (INAH), decide su comida del día: sopa y un huachinango empanizado acompañado con papas.

Con un animoso acento alemán —que mantuvo pese a que llegó a México siendo adolescente, a bordo de un trasatlántico—, se advierte por teléfono que lleva una vida plena. Asegura que su vía para alcanzarla ha sido la fotografía, porque a través de ella “aprendes a ver al ser humano, a reconocerlo, a entenderlo. Casi como un psicólogo, sin necesidad de hablar”.

Ese afán de querer comprender lo que acontece, bajo un acto que sincroniza la mente y el ojo, le llevó a la fotografía. En la Casa del Lago, donde Lázaro Blanco daba sus cursos, aprendió a ejecutar en blanco y negro; y a color, con Carl Miller, fotógrafo de National Geographic, y con Guillermo Aldana, precursor de la icónica revista México desconocido. Hablando de referentes, tiene muchos, pero rescata la interpretación de las formas de la danza moderna en la lente de Barbara Morgan, célebre por sus retratos de la bailarina Martha Graham.

Quizá más conocida por su registro de artes escénicas, Cowrie jamás soslaya la que fue su gran escuela, el diario Unomásuno, del que fue fundadora, proyecto al cual se sumó tras el golpe a Excélsior, en 1976, donde laboró brevemente. Al respecto, destaca la visión de Manuel Becerra Acosta para crear un periódico que fomentó el llamado “Nuevo periodismo” en la prensa mexicana.

El director de Unomásuno fue consciente de llevar una imagen potente en la primera plana, “y dio a los fotógrafos la importancia que tienen sobre el hecho, porque la toma no sólo informaba, sino que editorializaba, brindaba una posición sobre los sucesos y servía al análisis político. Por eso, en esta época tuvimos el acierto de decir: ‘una imagen vale más que mil palabras’, y logramos ese impacto gracias a que siempre contamos con toda la libertad y la exigencia para trabajar”.

En tiempos convulsos, cuando la migración desde Centroamérica regresa a los titulares, Cowrie evoca los semblantes de los refugiados guatemaltecos que por vez primera vieron el mar frente a las playas de Campeche, esto a inicios de los años 80, periodo en que el gobierno mexicano abrió sus fronteras a los vecinos del sur que huían de la dictadura. Esa cobertura la realizó junto a Jeanette Becerra Acosta, y le resultó impactante.

Esa acción de acogida —reitera–, tuvo mucho que ver con la denuncia ejercida desde el Unomásuno; al igual que los amplios reportajes dedicados a trazar una radiografía de la miseria en México, la cual fue “sumamente analizada, tomada en cuenta, aunque poco se ha cambiado. Todos esos reportajes fueron destacados como información principal, verídica y bien investigada”.

Después de 12 años en la fotografía política y la documentación social, la fotógrafa méxico-alemana viró a las artes escénicas, un cambio de rumbo que le resultó natural porque durante buen tiempo practicó la danza y el retrato de esta disciplina. “Me permitió mantener la mente en estado de alerta. Es un curso intensivo de agilidad mental, porque requieres capturar el momento preciso en pleno movimiento del cuerpo.

“Hay un momento muy sublime en la ejecución del bailarín, el cual sólo es reconocido por el fotógrafo que ha dedicado muchas horas a entender en qué consiste la danza. Se trata de capturar el momento preciso en que el ejecutante trasciende su proceso de entrenamiento y eleva todos sus sentidos a través del movimiento dancístico. Es un instante sutil y debes tener un equipo de primera para cacharlo, porque a veces ocurre bajo una luz poco óptima. Si lo logras, tienes una imagen de fuerza expresiva única”.

De la danza admira el rigor y el compromiso total del bailarín con su cuerpo, la compenetración de su expresión con la música y la escena, algo que encuentra aún más atractivo en la danza contemporánea y la danza butoh, como lo deja ver su invaluable acervo legado a los centros nacionales de Investigación, Documentación e Información de la Danza “José Limón” (CENIDI Danza); y Teatral, “Rodolfo Usigli” (CITRU), ambos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.

Muy pocos, como Christa Cowrie, pueden preciarse de haber registrado tal cantidad de compañías teatrales y dancísticas, nacionales y extranjeras, una labor que realizó durante 16 años como fotógrafa del Festival Internacional Cervantino. A vuelo de pájaro, menciona Delfos, Contempodanza…, y reserva un lugar especial al Ballet Nacional de México —al que retrató por años— y a su directora Guillermina Bravo, el cual por 58 años fue el semillero más importante de bailarines y coreógrafos del país.

El galardón que recibió el 22 de agosto, junto con sus colegas Bob Schalkwijk y Maya Goded, en el arranque de las actividades del 20 Encuentro Nacional de Fototecas, en Pachuca, Hidalgo, reconoce más de cuatro décadas de una trayectoria, cuyos registros son ya un referente —si se quiere hablar de la historia del fotoperiodismo— del fotodocumentalismo y de las artes escénicas en México. Colecciones que están bajo resguardo no sólo del CITRU y del CENIDI Danza, sino del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM (77 mil piezas fotográficas, entre impresiones y negativos a color y blanco y negro) y del Museo Nacional de Culturas Populares.

Generosa como el mar, Cowrie da la impresión de no ejercer el apego, porque como ella misma expresa: “La fotografía hay que vivirla, con toda su pasión, con toda su intensidad ¡Hasta la médula! Hay que estar comprometido con este maravilloso instrumento que es la cámara, convertirlo en una extensión más de tu cuerpo, tus huesos, tus venas, dejar que fluya dentro de ti”.

Fuente: INAH

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CONARTE ofrece sus espacios a creadores

El Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (CONARTE) atiende la democratización de los espacios para que la comunidad artística pueda acceder a la infraestructura cultural en el estado por medio de las Temporadas de Teatro, Música y Danza 2019.

Los programas se conforman a través de convocatorias en las que jurados especializados evalúan los proyectos presentados por la comunidad de creadores en el estado. Este mecanismo, señala la secretaria técnica de CONARTE, Melissa Segura, ha beneficiado a los artistas y compañías.

 “Podemos garantizar que todos los miembros de la comunidad artística de las disciplinas tengan acceso a participar presentando sus propuestas artísticas para ser calificadas por un jurado de especialistas que, con base en la calidad, eligen cuáles tienen acceso al uso de los espacios con los que cuenta la institución.

 “Hasta el momento estamos contentos con los resultados, especialmente en términos de participación, lo que nos da la seguridad de que el mecanismo resulta confiable y accesible, además de que brinda una muy buena selección”, profundizó.

 Este nuevo modelo de trabajo ha traído una mejora a la programación en términos de participación ciudadana y pluralidad, pero también en términos de asistencia del público. Para muestra está la Temporada de Teatro, que arrancó el pasado 5 de julio, y que ha tenido resultados muy positivos al tener llenos totales, por lo que se espera que las temporadas de Danza y Música, que iniciaron el pasado fin de semana y se caracterizan por su eclecticismo, cuenten con nutridas audiencias.

 Además, la Sala Experimental -que había sido solamente destinada a espectáculos teatrales- albergará ahora también funciones de música y danza. En esta primera edición, las convocatorias, pese a ser nuevas, tuvieron una buena respuesta.

 Melissa Segura, director del Teatro de la Ciudad de Monterrey, apunta que con eso se ha logrado que más artistas y compañías se integren a la programación para mostrar sus propuestas al público.

La oferta también se garantiza que los ciudadanos disfruten de una diversidad de actividades escénicas en funciones gratuitas.

Entre la Temporada de Teatro, ya en marcha, y las de Danza y Música, que iniciaron el pasado fin de semana, CONARTE abre el espacio a 40 creadores, grupos o compañías que ofrecerán un total de 80 presentaciones.

 Los espacios que están a disposición de la comunidad artística son: la Sala Experimental y el Escenario al Aire Libre del Teatro de la Ciudad, el Teatro de la Estación y la Explanada de la Casa de la Cultura de Nuevo León, y el Teatro del Centro de las Artes de Nuevo León.

 A las temporadas se suman otros programas que se conforman a través de convocatorias, entre los que están: Encuentro Estatal de Teatro, Miércoles Musicales de la Casa de la Cultura de Nuevo León, Arte Escolar Itinerante, Mitote Folklórico, Puestas en Escena CONARTE, Encuentro Metropolitano de Danza Contemporánea y la Semana de la Dramaturgia.

 Las convocatorias tienen fundamento en el artículo 3º de la Ley que crea el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, referente a establecer programas de estímulo y financiamiento a las actividades culturales, privilegiando la integración de fondos financieros de estímulos a los artistas y creadores.

 Temporadas de Danza y Música

 El pasado fin de semana darán inicio las Temporadas de Danza y Música en las que CONARTE ofrece a la comunidad espectáculos escénicos en funciones con entrada libre en el Escenario al Aire Libre y la Sala Experimental del Teatro de la Ciudad, la Explanada de la Casa de la Cultura de Nuevo León y el Teatro del Centro de las Artes.

 Rualdo Rodríguez, coordinador de Danza, y Óscar Arévalo, coordinador de Música, coincidieron que a través de este mecanismo de programación se logra conformar una oferta variada en la que tienen espacio para los diferentes géneros y estilos para presentar a toda la comunidad.

 La Temporada de Danza CONARTE 2019 contempla un total de 27 funciones de 18 compañías o grupos diferentes, a realizarse en el Escenario al Aire Libre y la Sala Experimental del Teatro de la Ciudad, la Explanada de la Casa de la Cultura de Nuevo León y el Teatro del Centro de las Artes.

 La convocatoria se desarrolló en dos categorías: para grupos de más de 10 años de trayectoria, que realizarán dos funciones recibiendo un apoyo económico de $14 mil pesos, y para grupos de 0 a 9 años de trayectoria, que tendrán una función y recibirán un apoyo de $5 mil pesos.

 El jurado que se encargó de analizar las 26 propuestas recibidas estuvo integrado por Eleno Guzmán Gutiérrez, Andrea Margarita Tortajada Quiroz y Santiago Sandoval Pluc.

  Este fin de semana la Temporada de Danza dará inicio con el Ballet Folklórico Monterrey, dirigido por Félix Guerra, que presentará dos títulos en cada función, En el jardín del grillito Cri-Crí y Catrinas mexicanas, el sábado 17 y domingo 18 de agosto, a las 19:00 horas en el Escenario al Aire Libre del Teatro de la Ciudad.

PROGRAMACIÓN TEMPORADA DE DANZA 2019

 En el jardín del grillito Cri-Crí Catrinas mexicanas

Ballet Folklórico Monterrey. Dir. Félix Guerra

17 y 18 agosto, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Ballet Folklórico Nuevo León

Dir. Miguel Arrambide

24 y 25 agosto, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 México Arte y Tradición Ballet Folklórico

Dir. Rolando Pérez Corral

21 y 22 septiembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Capítulo Cuatro

Compañía Luna Creciente. Dir. Dolores Bernal

28 septiembre, 20:00 horas y 29 septiembre 18:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 Raíces de mi tierra 

Dir. Jorge Antonio Martínez

28 y 29 septiembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Las Pinturas de Frida

Dir. Delia Paulina de León

4 octubre, 20:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 XVIII Años de Tradiciones en Fandangos de México

Ballet Folklórico Fandangos de México. Dir. Edgar Mata

5 y 6 octubre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Gala Latino

Dir. César Vázquez

10 octubre, 20:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 Proyecto Aptum: Pájaro + Mexcalli        

Dir. Catalina Castilla

11 octubre, 20:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 A Cuatro Vistas

Teoría de Gravedad. Dir. Aurora Buensuceso

12 octubre, 20:00 horas, y 13 octubre, 18:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

Soledad

Sofía Frese

12 y 13 octubre, 17:00 horas. Sala Experimental del Teatro de la Ciudad

 Grupo Folklorico Aquetzalli

Dir. Erick Tovar

13 octubre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 2° Festival Herencia de Nuestro México

Dir. Jorge Luis Muñoz

16 noviembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Tercer Festival Nacional de Folklor Monterrey 2019

Dir. Marco Antonio Cruz

17 noviembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Hombres Danza Contemporánea

Dir. Víctor Burgoa

29 noviembre, 20:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 México tradición a un Son

Compañía Folklórica Son Mestizo. Dir. Roberto Loera

30 noviembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

 Otro Sitio

Compañía Sunny Savoy. Dir. Sunny Savoy

30 noviembre, 20:00 horas, y 1 diciembre 18:00 horas. Teatro del Centro de las Artes

 Aniversario – Agrupación Folklórica Danzar Mexicano          

Dir. César Ambriz

1 diciembre, 19:00 horas. Escenario Al Aire Libre del Teatro de la Ciudad

Fuente: CONARTE

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Enseñan técnica del baile de tarima en el Encuentro Nacional de Mariachi Tradicional

“Jalisco de los Altos” es el nombre del taller en el que la maestra María Guadalupe Hernández mostró un acercamiento al estilo particular del “baile de tarima” de esta región del estado. En el curso, que se realiza en el marco del XVIII Encuentro Nacional de Mariachi Tradicional, que organiza la Secretaría de Cultura de Jalisco participan alrededor de 40 personas entre músicos del encuentro y público en general.

En la primera de dos sesiones, Guadalupe Hernández señaló que su andar por el baile tradicional comenzó hace más de 30 años y aunque su profesión es la de Químico Farmacobióloga, el rescate del baile y la música de la región alteña han sido para ella motivo de trabajo de investigación durante los últimos seis años.

Sobre el baile de tarima de Los Altos, la maestra señaló que tiene sus raíces en el folclor español, ya que el zapateo, el uso de manos y las posturas de los bailadores que acompañan a los mariachis alteños son similares a los bailes del siglo XIX de algunas regiones de España.

Durante el taller, que finaliza mañana, los participantes conocieron un poco de historia y contexto de este baile, pero sobre todo el zapateo tradicional sobre tarima, que, en los fandangos de Los Altos de Jalisco hace competencia a los instrumentos de percusión e incluso rivaliza al marcar el ritmo de las notas del mariachi.

Por la tarde,  se realizó otro taller en el que se enseñará el baile de tarima al estilo Colima.

Fuente: Secretaría de Cultura Jalisco / Óscar Gómez