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Margarita Gordon, Jurado de Competencia de Ganadores, IV Gran Final Pasión por la Danza

Margarita Gordon

Margarita Gordon

 

Es una de las más prestigiadas bailarinas mexicanas de danza flamenca. Tiene una sólida preparación que le ha permitido desarrollar una versátil carrera. Ha realizado giras por casi todo el continente americano, Francia, Bélgica, España, Grecia y Japón. Participó en el Festival de Kuopio, Finlandia –invitada por la UNESCO– como  única representante de México, durante tres años consecutivos.

Le han sido otorgados importantes premios tales como ”El Sol de Oro,“ ”Una Vida en la Danza“ y reconocimientos en el Estado de Michoacán, donde creció. Además, ha recibido otros premios por su destacada labor como bailarina, coreógrafa e investigadora. Margarita inició su carrera artística con diversas compañías de renombre internacional, con sus propios espectáculos y programas de concierto. Asimismo, ha desarrollado una intensa labor de difusión de la danza española y flamenca en toda la República Mexicana, desde los lugares más apartados, hasta los teatros y centros culturales más importantes, incluso Centros de Readaptación Social y hospitales.

Entre sus coreografías personales de flamenco puro destacan su ”Martinete y Siguiriya“, ”La Caña la estilo antiguo“, ”Farruca“ y ”Tientos a la luz del candil“, entre otros. Coreografías con técnica de danza contemporánea como ”Soledad Montoya“, ”Saeta al Cristo de los gitanos“, ”Elegía a Doña Juana la Loca“ y ”Mariana Pineda“.

Ha participado como primera bailarina y coreógrafa en óperas como ”Carmen“, ”La Güera“, ”La Traviata“, distintos espectáculos de zarzuela y numerosos programas de televisión y radio.

Realiza también trabajos de investigación tales como ”La influencia del baile español en la danza mestiza de México“, ”Los gitanos y el flamenco en México“, ”El traje popular mexicano y sus antecedentes“ y ”Análisis e historia del flamenco“.

En 1996 con el apoyo de una beca otorgada por el Instituto de Cultura del Estado de Morelos y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, monto el espectáculo ”Se hace camino al bailar“, con el cual realizó diversas presentaciones en la Ciudad de México y Cuernavaca.

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Erosional: Instalación Habitada

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Erosional: Instalación Habitada

 

Erosional: Instalación Habitada es el título de la instalación artística de Paula Rechtman, Leika Mochán y Ana Rechtman, la cual se podrá apreciar en el Auditorio del Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC los días 8, 9 y 10 de abril del presente año

La erosión de nuestras aguas, así como la erosión que el agua genera en el ambiente, son la inspiración de esta obra en la que conviven agua, luz, movimiento y sonido para crear un ambiente envolvente y habitable.

La obra habla a través de la voz de Leika Mochán y el cuerpo de Paula Rechtman, pero también a través de las intervenciones de los artistas invitados: Arturo Serrano, Diego Basantes, David Sánchez, Federico Sánchez, Iraida Noriega, Larisa Escobedo, Carlos Alegre, Kenia Navarro, Sergio Ornelas, Diana Sánchez, Caludia Arellano Larragoiti y Juan Pablo Villa y el colectivo PAUSA en movimiento

La instalación cuenta con la iluminación y apoyo técnico de Jésica Elizondo

El horario de visita es el siguiente:

  • Viernes 8 de abril de 13:00 a 16:00 hrs.
  • Sábado 9 de abril de 13:00 a 19:00 hrs.
  • Domingo 10 de abril de 13:00 a 16:00 hrs.

En tanto que el calendario de intervenciones:

Viernes 8 de abril, 15:00 hrs.

Arturo Serrano (danza), Diego Basantes (danza), David Sánchez (contrabajo) y Federico Sánchez (violín).

Sábado 9 de abril, 15:00 hrs.

Iraida Noriega (voz) y Larisa Escobedo (performance).

Sábado 9 de abril, 18:00 hrs.

Arturo Serrano (danza) y Carlos Alegre (violín).

Domingo 10 de abril, 15:00 hrs.

Kenia Navarro (danza), Sergio Ornelas (danza), Diana Sánchez (danza), Claudia Arellano Larragoiti (voz) y Juan Pablo Villa (voz).

Sinopsis curricular de las creadoras:

PAULA RECHTMAN

Bailarina y coreógrafa titulada por The Place, London Contemporary Dance School. Actualmente es artista independiente. Desde 2008 es miembro fundadora del colectivo PAUSA en movimiento. Ha presentado su trabajo en Inglaterra, Estados Unidos, España, Francia, Croacia, India, Burkina Faso, Indonesia y México. Como coreógrafa ha recibido apoyos del FONCA en tres ocasiones. Como bailarina ha trabajado con coreógrafos y compañías como Phoenix Dance Theatre, Freddie OpokuAddaie, Jean Abreu Dance y Oskola Projektua en Londres; Foramen M. Ballet y Centro de Producción de Danza Contemporánea (CEPRODAC) en México.

LEIKA MOCHÁN

Es integrante de los grupos Muna Zul, Proyecto Gecko, Los Aguakates, Frágil y Kaleidojísmos; también participa como invitada en muchos otros. Estudió canto con maestras particulares como Iraida Noriega e Isabel Tercero. Es egresada de la carrera de jazz de la Escuela Superior de Música del INBA con especialidad en canto y scat. Ha grabado varios discos en diversos sellos discográficos; asimismo se ha presentado en festivales y foros dentro y fuera del país (España, Francia, Argentina, Chile, EUA, Canadá, Italia y Bélgica). Fue becaria del FONCA (2010-‐2011). Desde 1996 ha colaborado en proyectos de danza, circo y video.

ANA RECHTMAN

Doctora en matemáticas por la École Normale Supérieure de Lyon, Francia, y licenciada por la UNAM. Trabajó en la Universidad de Estrasburgo y a partir de septiembre de este año se incorporó al Instituto de Matemáticas de la UNAM. Como investigadora en matemáticas, se ha interesado últimamente en la geometría de las soluciones de la ecuación propuesta por Euler para el movimiento del agua. Desde 2009 se interesa por el diseño, dentro de esta disciplina ha tomado cursos en Bois Buchet, Francia, y sus objetos han sido premiados en los concursos Eco‐creative Works de la revista Inner Design en 2012 y Venice Design Week en 2013. Desde 2012 ha sido pieza fundamental de la obra EROSIONAL escénica en la concepción y elaboración del diseño visual. De 2010 a 2013 fue miembro del comité editorial de la revista Contratiempo en Chicago. A cargo de la sección de artes llamada Mirada Adentro, escribió varios artículos, críticas de danza y entrevistas a coreógrafos, entre los que destaca Diego Piñón.

Fuente: Paula Rechtman. Artista, coreógrafa y bailarina.

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Liliana Flores Martínez

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La compañía Fóramen M. Ballet presenta el programa Libres de Im/puestos

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La compañía Fóramen M. Ballet presenta el programa Libres de Im/puestos

El deseo de danzar es libre y no impuesto, de ahí el título del programa Libres de Im/puestos, a cargo de la compañía Fóramen M. Ballet, que se presentó en el Teatro de la Danza, del Centro Cultural del Bosque (CCB).

En el marco de la Temporada de Grupos Consolidados, la agrupación de danza contemporánea interpretó tres coreografías de pequeño formato con fragmentos de las piezas Ecos silenciosos, La inmolación del Yo y Dentro de mí.

La presentación arrancó con el fragmento de la obra Dentro de mí, del bailarín y coreógrafo de la compañía Gerardo Sánchez, la cual refleja la interioridad del ser humano, sus rincones más lejanos, sus momentos de soledad y de reflexión, a partir del relato de una mujer que cuenta sus temores, manías y fobias, mientras carga consigo una enorme bola de estambre.

La compañía también ofreció un adelanto de la pieza Ecos silenciosos, creada por la codirectora de Fóramen, Beatriz Madrid, que habla del tiempo, de la oscilación y el concepto del péndulo y su relación con el ser. La obra completa será estrenada en junio en el Teatro Ocampo, en Cuernavaca, Morelos.

Por último, los bailarines Mariana García y Gerardo Sánchez ejecutaron el dueto de LIDY La inmolación del Yo, estrenada el año pasado en el Palacio de Bellas Artes, donde el tema de las “bolsas” es abordado desde el punto de vista simbólico, para mostrar experiencias relacionadas al “yo”, a los otros y al tránsito por los espacios de la vida postmoderna.

De acuerdo con Marcos Ariel Rossi, director de la compañía y quien reside en Cuernavaca, Morelos, se trata de un programa de gran demanda física y técnica.

“Fóramen trabaja con la fisicalidad y mucho rigor. Hay una exigencia desde lo temático, lo emotivo y eso es lo que nos caracteriza”.

Aseguró que la agrupación con más de 16 años de trayectoria atraviesa por un gran momento a nivel creativo, ya que se enriquece con las propuestas coreográficas hechas por jóvenes, como es el caso del trabajo de Gerardo Sánchez en la pieza Dentro de mí.

“Hay una propuesta de renovación que tiene que ver con la investigación y espacios nuevos que nos ayuda a entender la interdisciplina. Nos interesa contar con música en vivo y original, lo cual nos mantiene frescos; estamos contentos de tener una sede en Cuernavaca y estamos abiertos a nuevas generaciones que apoyan este proyecto”.

El creador escénico interdisciplinario adelantó que Fóramen M. Ballet participará en abril en los festejos por el mes de la danza en diversos espacios de Cuernavaca. También estará en el Encuentro Nacional de Danza y realizará una gira por Venezuela en noviembre.

Por su importante labor y calidad artística, la compañía actualmente es beneficiada por quinta ocasión con la Beca de Excelencia México en Escena, otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y a las Artes (Fonca) de la Secretaría de Cultura.

Fuente: Secretaría de Cultura

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Exposición conmemorativa a 30 años del fallecimiento de Tatsumi Hijikata

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El Butoh de Hijikata: teatro en el cuerpo.

Exposición conmemorativa a 30 años del fallecimiento de Tatsumi Hijikata

Como parte de las actividades de la primera edición de Cuerpos en Revuelta, Festival Internacional de Danza Butoh en América Latina, se presenta la exposición El Butoh de Hijikata: teatro en el cuerpo, que conmemora el 30 aniversario luctuoso de Tatsumi Hijikata (1928-1986), uno de los bailarines de vanguardia más destacados del siglo XX en Japón y en el orbe, creador del Ankoku Butoh.

La exposición, que se presenta por vez primera en México, se realiza en colaboración con el Archivo Hijikata del Centro de Artes de la Universidad Keio, Japón, dirigido por Takashi Morishita. La muestra incluye fotografías, videos, piezas inéditas y otras realizadas ex profeso.

La colección, reunida especialmente para esta ocasión, muestra el parteaguas para el mundo de la danza que supuso el butoh de Hijikata en su periodo más importante, que va de los años sesenta a setenta.

A finales de la década de los cincuenta, Tatsumi Hijikata surgió en la escena de la danza japonesa; en los años siguientes se dedicó a la búsqueda y consolidación de una expresión corporal innovadora. Trabajó vigorosamente como un happener radical e inusitado, en colaboración con otros artistas de avanzada.

Hijikata creó un nuevo estilo al que llamó Ankoku Butoh; una danza ejecutada por el cuerpo y para el cuerpo. Su pieza más  representativa es Hijikata Tatsumi y el pueblo japonés: la revuelta del cuerpo (Nikutai no hanran), presentada en 1968 en un ambiente de inconformidad social y protestas contra el poder.

Para Tatsumi Hijikata la revuelta del cuerpo representaba una poética de la decadencia, donde la violencia y el sexo eran temas principales de una danza extraña y anárquica. Exploró el butoh bajo el lema de la negación e innovación; esta técnica se transformó en una expresión corporal única: había creado un método que no sólo dependía del pensamiento, también exploraba la experiencia y la memoria en el cuerpo.

En los setenta eligió temas como la muerte y la enfermedad, en contraste con lo que había planteado en años anteriores. Declaró, entonces, que “el butoh es un cadáver rígido y de pie luchando desesperadamente por la vida”.

Cabe destacar que Takashi Morishita, director del Archivo Hijikata y curador de la exposición, es considerado la máxima autoridad académica de la danza butoh a nivel mundial. Ha trabajado en Asbesto’s Studio, de Tatsumi Hijikata, como productor y asistente desde 1972. Es autor de varios libros imprescindibles sobre el butoh de este maestro japonés. Como parte de las actividades del festival impartirá la conferencia El Butoh de Tatsumi Hijikata, el sábado 9 de abril a las 18:00 hrs. Entrada libre.

Cuerpos en Revuelta. Festival Internacional de Danza Butoh en América Latina, primera edición, lo organiza el Laboratorio Escénico Danza Teatro Ritual (LEDTR) y el Museo Universitario del Chopo. El evento abrirá espacios de diálogo, experimentación y producción para la comunidad de artistas escénicos interesados en el estudio del butoh como una plataforma de creación escénica contemporánea en México.

Se llevarán a cabo cuatro funciones de danza con artistas extranjeros; una función con artistas mexicanos; cuatro talleres intensivos internacionales; tres laboratorios de creación coreográfica dirigidos por duplas latino-japoneses; una conferencia magistral; un homenaje y un reconocimiento por trayectoria artística.

Fuente: Museo Universitario del Chopo

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Serafín Aponte, Jurado de Competencia de Ganadores, IV Gran Final Pasión por la Danza

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SERAFÍN APONTE

 

Coreógrafo, bailarín, docente y funcionario público, destaca desde la década de los ochentas en el panorama de la danza contemporánea mexicana. Licenciado en Educación Artística en el área de Danza titulado por el INBA, Profesor de Biodanza titulado por la International Biocentric Foundation además de tomar varias especializaciones en técnicas de danza y coreografía.

Miembro fundador de Barro Rojo Arte Escénico en 1982.  Ha recibido premios y reconocimientos por su trabajo como bailarín y coreógrafo en danza contemporánea: Mejor Bailarín del Teatro de la Danza en 1985, Premio Nacional de la Juventud 1987, 2º Lugar en el Premio Iberoamericano de Coreografía Óscar López 1991 (Creación Colectiva) en Barcelona, España Y Premio Mejor Coreografía en el Festival de Danza Contemporánea  de SLP en 1993. Así también fue intérprete de las obras ganadoras del Premio Nacional de Danza INBA-UAM 1982 y del Premio Bellas Artes de Coreografía 1987. En 1994 decide emprender una carrera como bailarín solista y en el 2000 conformar la Compañía Serafín Aponte Danza o presentándose como Ensamble Serafín Aponte. Ha sido distinguido como Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA (2001-2007).

Ingresa como docente del INBA en el Sistema Nacional para la Enseñanza Profesional de la Danza desde 1984, posteriormente fue Secretario Académico fundador  en el área de Danza Contemporánea en la creación de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del INBA en el Centro Nacional de las Artes desde 1994 hasta 1999. Imparte Técnica de Danza Contemporánea y desde 1999 la materia de Taller de Creación Coreográfica VII  y VIII en la Licenciatura en Coreografía hasta la actualidad. Por su actividad académica en el INBA ha recibido: el Diploma a la Labor Docente 1992, el Premio Nacional de Educación Artística 1994 y el 2º Lugar del Premio al Desempeño Académico en Docencia 2013.

Finalmente hay que mencionar que desempeña una importante labor como artista residente, coreógrafo invitado, docente o asesor técnico en países de Latinoamérica, Europa, así como en distintas ciudades de Estados Unidos y Canadá lo cual lo ha distinguido de un reconocimiento internacional.

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México realizará Primer Festival Internacional de Tribal Bellydance

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México realizará Primer Festival Internacional de Tribal Bellydance

Con el propósito de difundir la filosofía que hay detrás del tribal bellydance, género dancístico cuya práctica es creciente en México, se llevará a cabo por primera ocasión el Festival Internacional de Tribal Bellydance.

Del 23 al 27 de marzo en La Cantera Estudio de Danza (Ponciano Arriaga No. 31, colonia Tabacalera, a una calle del Monumento a la Revolución) habrá talleres, pláticas, stands, clases gratuitas, exhibiciones de danza y la participación de exponentes de Estados Unidos, España, Costa Rica y México.

Walky Ardaat, una de las intérpretes y promotoras de este género en nuestro país, consideró que a diferencia del bellydance o danza del vientre, el tribal bellydance tiene que ver con fuerza, empoderamiento femenino, trabajo en equipo y una fusión étnica de danzas que van de Argelia, Túnez, Egipto, Irán, Paquistán y Marruecos, hasta llegar a España.

“Es una danza para todos los cuerpos y edades, donde está presente la fortaleza femenina. El bellydance es más airoso y sexy, en cambio para nosotros la estética y el vestuario tiene que ver con una proyección feroz de lo que es la femineidad. Trabajamos a nivel interno para desarrollar la belleza interior y compartirla con lo demás”.

El vestuario también refleja la fusión de diferentes culturas, con faldas propias del contexto flamenco, con mucho vuelo y metraje, hechas de telas de India, joyería kuchi (gargantillas, brazaletes, pendientes, cinturones, anillos, aretes, tocados) y un maquillaje dramático que potencia la sensación de misterio o de origen étnico.

Aunque este arte se compone de diversas raíces tradicionales del Medio Oriente, Walky Ardaat explicó que la identidad radica en el concepto de tribu, el manejo de la estructura del círculo y la cooperación.

“Aquí trabajamos con improvisación grupal dancística. Entre todas aprendemos a leernos corporalmente y en algún momento todas asumimos el papel de líder, así que co-creamos juntas”.

La directora de Be Tribal Bellydance destacó que este primer festival no sólo se dirige a la comunidad de tribal bellydance, sino a los interesados en conocer más sobre la riqueza histórica y artística de este género, por lo que explicó que en México tiene presencia desde hace 15 años y se originó en San Francisco, California, Estados Unidos, con dos estilos: tribal americano y tribal fusión.

“Hace 10 años era algo un tanto underground, casi no había maestras en México y me di a la tarea de empezar a traerlas, después nació Ghytiastudio, único espacio especializado en el tribal bellydance en todo México y la compañía Be Tribal Bellydance con la que tengo ocho años.

“Ahora voy a festivales en Monterrey, San Miguel de Allende y Mérida; comparto lo que hago con talleres y juntamos a la comunidad que está creciendo y se puede encontrar en cualquier parte del país”.

Algunas de las participantes en talleres, pláticas, clases gratuitas y exhibiciones son Wendy Allen y Sandi Ball, bailarinas del grupo que generó este movimiento en Estados Unidos; la española Silvia Salamanca, la exponente de Tribal Nouveau, Nagasita; la bailarina de Tribal Fusion, Sabine; Caro Dumanni, de Costa Rica, y de México, Dakia Le Fay y Alessa Fortuna.

En cuanto a los talleres gratuitos, Walky Ardaat impartirá uno sobre la historia del tribal bellydance; Najibah May estará a cargo del taller de improvisación con faldeo y Kambrah Gil dará un curso de bellydance gótico.

Para más información sobre la programación del Primer Festival Internacional de Tribal Bellydance consulte la página Internet: http://betribalbellydance.com/ o en Facebook Be TribalBellydance.

Fuente: Secretaría de Cultura

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Realizan video didáctico de la Danza de la nuez, bailable representativo de Allende, Coahuila

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Realizan video didáctico de la Danza de la nuez, bailable representativo de Allende, Coahuila

La Danza de la nuez, la única representativa del municipio de Allende, Coahuila, podrá ser difundida gracias a la realización de un video didáctico que contiene la música, coreografía, historia y requerimientos técnicos para ser montada en ese estado y en todo el país.

Con apoyo del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA), la creadora de esta danza, Adriana Saldívar Martínez, se ha dado a la tarea de realizar este video didáctico para que la Danza de la nuez pueda llegar a otras partes de México.

Fue en 2002 cuando las autoridades de Allende convocaron a la creación de una danza representativa de ese municipio, ubicado en la región Cinco Manantiales, en el norte de Coahuila, el cual carecía de un bailable propio, pues “se hablaba de la Polca de Piedras Negras o algunos huapangos norteños de Acuña, pero en Allende no teníamos nada”, detalló Adriana Saldívar.

De ese concurso surgió la Danza de la nuez, con la música de Jesús Zapata García, la coreografía de Adriana Saldívar y el diseño de vestuario de Rosa Carmen Mondragón, la cual recrea la pizca, el apaleo y la recolección de la nuez, la cual fue una actividad económica predominante en ese municipio.

Esta pieza inscrita en la denominada danza creativa representa la cosecha de la nuez que se realizaba en los meses de septiembre y octubre, cuando familias enteras iban a las nogaleras. Los hombres apaleaban el nogal con unas garrochas, mientras las mujeres levantaban las nueces que caían al piso.

Lamentablemente, precisó la becaria del PECDA, especialista en educación artística y quien desde hace 18 años trabaja en secundarias, en los últimos años esta danza ha tenido poca difusión y “aunque es originaria de aquí, de Allende, la pueden bailar en cualquier parte”.

Por ello decidió solicitar la beca del PECDA a fin de realizar este video didáctico “para que no necesariamente tenga que ser yo quien vaya a montarla y a la persona que le interese pueda hacerla de una manera sencilla, fácil de entender”, por lo cual se incluye la monografía, la historia, la música y hasta el Corrido de Allende.

Para la creación del video Adriana Saldívar compró el vestuario original de esta danza y con su grupo, Bailando por México, hizo la filmación del bailable que se ha presentado en diversos foros, como son los festivales Julio Torri, en Coahuila, y el Vallarta Azteca, en Jalisco.

Ahora el video didáctico que explica paso a paso cómo montar la Danza de la nuez se encuentra listo y comenzará a ser entregado a grupos de danza, casas de cultura y escuelas primarias y secundarias, a fin de que los interesados puedan presentarla.

Fuente: Secretaría de Cultura